Glitchjockey

Espanto – “Ya no es Rock’n‘Roll, pero me sigue gustando”

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:31:17 -0500

Volvemos a España, y diremos que el puñado de grandes discos que nos dieron este año es colación que no cabe en nuestras manos. Espanto es, con todo y la altanería y aberración que profesan por las redes sociales y la promoción externa, un dueto interesante de modernillos que gustan de la excentricidad y que han ido picando piedra al hacer sus discos autoeditados en CD-R y casi de mano en mano. Tras cada maqueta (apoyados por el extinto Birra y Perdiz) los adeptos se acumularon y se dejaron sorprender. Llega 2011 y el sello Austrohungaro (feudo del dueto maravilla Astrud) los rescata para incorporarlos a sus filas y editarles un plástico negro que recopila sus dos primeros materiales: Ísimos y Errísimos. Ahora, se vive una especie de boga por estos dos y su nuevo disco: Rock’n‘Roll.

A muchos ya empezaron a hartarles, (y por lo que me cuenta un amigo de allá, en general todos los rarillos de Austrohungaro no suelen ser tan bien recibidos) pero han empezado a escalar y a terminar apareciendo como referencia de los medios de allá al hacer recuento de la música en 2012. Y sí, por acá podrían pasar por hipsters entre tanto toque de “independencia” y velada sofisticación, sin embargo quién se moleste al descubrir que en Rock’n‘Roll no hay rock, habrá pinchado el anzuelo de Luis y Teresa, profesores de escuela por el día y que luego se transforman en Espanto, recetando una dosis de desenfado desde el tema inicial, burlándose de los que en su tendencia se vuelven más papistas que el Papa “No soporto las bromas al respecto/ Te estoy viendo, no lo digas, no lo acepto/ Busca bien en tu interior. Tu también llevas puesto un traje de esqueleto./(…)Puede tener muchos nombres pero le pondremos rock’n roll”.

Y ahí no paran las burlas, si hasta hay paralelismos entre el desastre personal y la jerga de los sindicatos “Tu vida es una empresa a punto de cerrar / Y has despedido a más de la mitad”, en “Primero de Mayo”, que va más bien de la cosa efervescente de Hidrogenesse y los propios Astrud. El contraste sería “Amigo Rock’n Roll”, algo así como “Mi Amigo Bronco” pero en pleno funeral folk a la guitarra y a la chamarra de cuero. “Panteras” trae el rollo de los más recientes Magnetic Fields, dejando sintes por guitarras y salpicando con la cantidad de rock que pueda salir de alguien con una guitarra inflable comprada en Chapultepec.

“Son Esos Pájaros” y “Pelea En El Barrio” ponen sobre la mesa ese algo que emparenta por momentos al dueto con sus colegas de Le Mans o las muy antañas Vainica Doble (debe ser la voz lenta y abigarrada de Teresa, que por momentos recuerda a Jone Gabarain). Es como si, precisamente, Le Mans dejara el drama existencialista para pasarse al costumbrismo y al sordo malestar cultural, pero quedándose con el sarcasmo original.

“Jagger y Richards” demuestra que al final, Espanto sigue esa senda de españoles cosmopolitas, enterados de todo y mandando guiños culturales a diestra y siniestra (Bowie, Yoko, Dylan, Elvis). Es una baladita lenta y solo con guitarra eléctrica, que demuestra la simpatía de la que siempre ha gozado el dueto. “Hijos” es la justificación al título del disco y a cada una de las otras canciones del cd: ellos están parados en el ahora, lo anterior a ellos, lo que aprendieron en la escuela, con los amigos y yendo de juerga fue genial y lo asimilaron, pero ellos son solo espanto y traen el rock por dentro, mientras el piano es como Lou Reed haciendo las paces con Moe Tucker (“Somos como los heavys / Pero un poco más glam”). Si, ya no es rock’n‘roll, pero me sigue gustando harto.

Otra lista más: los mejores discos de 2012

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:28:39 -0500

Comenzamos este recuento haciendo una aclaración: a nosotros también nos parece una necedad querer encapsular todo lo sucedido en un año, como si tuviéramos suficiente autoridad para ello. Eso servía en la época en que no teníamos acceso a la música de diferentes maneras y la prensa impresa solo hacía listas para acabar de engordar las arcas de las disqueras. Hoy es inútil pero lo hacemos porque observamos algo muy curioso: muchas listas están plagadas de lo mismo, cosa que no suena lógico considerando la enorme oferta existente (y de calidad, porque sí la hay). Acá no estamos exentos de colocar algunos de los nombres más sonados en este año, pero admitimos no ser prensa especializada en música, simplemente quién esto escribe escucha demasiados discos, y esperamos que eso sirva de algo para el lector, quién a estas alturas debería ser quién suba su propia lista de discos a todos los blogs de musica (dejen la suya en los comentarios, sería genial). Por último, quienes estén interesados en escuchar música sabrán que es momento de defender la amplitud de criterio: comentar, compartir discos, escuchar con los amigos, asistir a conciertos desprejuiciadamente, entender que no todo sucede solamente en la escena anglosajona.Ya están grandes como para que un locutor de Ibero les diga que escuchar.

Ghostigital - Division of Culture and Tourism

Quien se acerque a Ghostigital buscando un pedazo de cualquier cosa cercana a Björk quedará decepcionado. Aquello de etéreo que puedan tener los islandeses adquiere otra cara en el sonido de estos dos: Einar Örn (ex-Sugarcubes) y Birgir Örn Thoroddsen. Ahí hay electrónica leftfield y delirio hip-hop experimental; rabia, furia y absurdo con la ayuda de algunos iconoclastas (David Byrne, Alan Vega, Dälek…). Nos visitaron hace poco y fue gratis, qué mejor.

Cómo Vivir En El Campo - CVEEC

Una sorpresa española, gratuita, y que muestra la fuerza que puede alcanzar una producción independiente cuando se focaliza en lo que verdaderamente importa: la música. Retomando ciertas bases del indie rock americano de viejo cuño, pero con talento, humor, y una belleza. Póngalo por las mañanas y acompáñelo con cereales.

Andrew Bird - Break It Yourself / Hands of Glory

El hombre orquesta ataca por partida doble este año: Break it Yourself continúa su línea de trabajo más habitual como un existencialista del folk, pero esta vez con letras más incisivas y certeras. Hands of Glory lo encuentra recetando folk de filigrana, con trigo entre los dientes y baile en el granero. Una dupla perfecta, que demuestra las raíces, pero también hacía donde se dirigen las ramificaciones.

Bloc Party -Four

Me parece un poco deleznable que no se reconozca a este cuarteto y la labor que han emprendido para renacer después de aquella escena que en su momento los encumbrara, y ahora los ha dejado caer; cuando, por cierto, ellos han sido más arriesgados y constantes que sus contemporáneos. Hoy sus guitarras ya no parecen encajar para los gustosos de un rock que sólo es en apariencia experimental y que abunda en las grandes listas de este 2012, pero me arriesgo a decir que este disco es incluso mejor que su primera producción.

Chain and The Gang - In Cool Blood

El rock puede seguir siendo incómodo mientras alguien siga diciendo cosas incómodas. Y Chain and The Gang estarán ahí para poner letras con referencias políticas, culturales y bromas pesadas, que sin llevar nombre ni apellido, dan justo en el clavo. No se necesita gel ni estoperoles para ser punk, sólo subirle a los huevos y bajarle a la sobreproducción.

Bobby Womack - The Bravest Man In The Universe

Por supuesto que disfruté el disco de Frank Ocean, que es un buen equilibrio entre ambición, lírica y aptitudes musicales, pero el verdadero mérito de este año en el soul proviene de este viejo hombre que fue “rescatado” por Damon Albarn, quien coescribe y produce este álbum. Su talento permanece intacto. Los temas son los de siempre: el amor, la soledad, la depravación social, pero con una fibra intensa que toca cualquier cavidad donde sea que se encuentra el alma.

David Byrne & St. Vincent - Love This Giant

Todos los hipsters del mundo quisieran ser David Byrne o Annie Clark. Ambos inquietos y sofisticados artistas que siempre darán algo de qué hablar. Hay en esta dupla algo de versatilidad y un ánimo colaborativo llevado de manera natural, mismo que da por resultado un disco “democrático”: ninguno de los dos sobresale por encima del otro. Cada uno es reconocible en su aportación a este gran disco que no tiene desperdicio alguno.

Kid606 -Lost in The Game

Outsider por autonomasia de la electrónica,Miguel de Pedro deja descansar el ruido y la burla para regresar a su obsesión por el ambient pero de manera más severa y oscura: largos pasajes nubosos creados a partir del pathos del hip-hop, y una producción sobria solamente en apariencia. Genios, geniecillos malévolos como este siempre harán falta.

Kishi Bashi - 151a

Kishi Bashi es el pariente lejano y tripeado de Andrew Bird. Si el resultado anda cerca de dicho género es por la vía de la experimentación con la electrónica y otros géneros, con una pomposidad que resulta dulce y gratificante. Este disco debut no debería pasar inadvertido porque el protagonismo lo tiene su violín, que nos puede pasear dulcemente o hacernos caminar por terrenos arenosos, como si de una especia de pop progresivo se tratase. El lado soleado de la luna.

Snaarj - Levels

Jazz y post-rock ya se han codeado antes y siempre tienden a ser una combinación ganadora. Estos chicos de Bloomington poseen una música sustanciosa y llena de texturas profundas, combinados con técnica elevada en los instrumentos y talento puesto a trabajar en el terreno de la composición. Sí, suena a aquellas experimentaciones de la década de 1970 en terreno jazz rock que influenciaría de manera determinante a experimentaciones posteriores. Se siente la cosquilla de un grupo de rock, pero exprimiendo a tope el know-how del jazz. Fans de Tortoise, ahí tienen lo suyo.

Ryat- Totem

No sé si pueda usar mi muletilla de “disco conceptual” para hablar de lo más reciente de Christina Ryat, en el que cada canción pretende ser un animal de poder, y lo logra al escaparse de ver este hilo conductor como un mero guiño exótico. Su voz sin duda puede tener la reminiscencia de aquella Björk de la década de 1990, pero esto es otra cosa. En este año en que el synth pop regresó y se ha colado hasta para vendernos a los mocosos del post-internet este disco flota por encima de la marea.

Grizzly Bear - Shields

Grizzly Bear se ha ido expandiendo de haber sido el proyecto de un solo hombre a una aventura compartida entre varios músicos y este disco los vuelve a colocar entre los favoritos de la escena. Cada canción tiene al folk como base pero llegan más lejos y se van desplegando ante nuestros oídos de la misma manera en que un libro pop up se despliega ante nuestros ojos. Odio ser tendencioso, pero verlos en vivo cuando nos visiten en 2013 será imperativo.

El Medio - No tengas miedo al amor

Un chico puertoriqueño (Leonardo Balasques), con base de operaciones en Brooklyn que graba canciones lo-fi, regala este disco que de pequeño y casero, resulta enorme. Ocho temas de “música de recámara”, para apagar la luz y flotar por encima de las sábanas. Otro disco gratuito y que nos muestra que el talento iberoamericano también está sano.

Death Grips - The Money Store / No Love Deep Web

Dos discos de furioso hip-hop (¿sí es hip-hop?) que solamente los estómagos blindados podrán soportar. Ecos de música industrial y noise pueden ser hallados aquí, pero este clan no parece tener interés en representar a vanguardia alguna. Zach Hill y MC Ride encapsulan agresión, rabia y una cantidad de agallas enormes para llevar su propuesta hasta sus últimas consecuencias, poniendo en jaque a su propia disquera al infiltrar su segundo disco antes de su fecha oficial de salida y usando por portada una fotografía de un pene. Fácil: los raperos con joyas y carros del año no harían esto.

Die Antwoord - TEN$ION

Yo-Landi, Ninja y DJ Hi-Tek se han ganado apelativos como “ridículos” o “idiotas”, además del odio eterno de todo el fanbase de Lady Gaga, no sin obtener además el beneficio de la duda por parte de todos aquellos que disfrutamos de la bizarrería, el humor y la falta total de solemnidad de la que son capaces estos tres. La realidad al final del día es que son un colectivo de nerds que ya llevan largo rato explorando las posibilidades del hip-hop y el lenguaje callejero en Sudáfrica, adoptando diferentes personalidades. El hecho de que hallan alcanzado el éxito global con esta reciente encarnación se debe a que constituye todo un performance con una estética morbosa y culposamente deliciosa: no tienes dinero, pero aún así puedes ser glamoroso aceptándote como freak. Algo que la llamada “nueva reina del pop” no podría entender.

Godspeed You! Black Emperor- ’Allelujah! Don’t Bend, Ascend

No se puede llamar a este colectivo un pilar, porque sería atentar contra su Leitmotiv: mostrarnos un mundo donde las grandes construcciones no conservan utilidad y sólo están esperando el momento de desmoronarse. Este disco se resiste a cualquier clasificación estética y sonora que se pretenda inamovible. Todo intento por llenar con palabras el lugar que deberían de ocupar sus instrumentaciones será inútil. Mejor escuchemos lo que tienen para darnos.

XXYYXX- XXYYXX

En esta reciente movida del post-internet (es decir, otra avalancha de reciclaje fácilmente comercializable) este muy joven productor de Orlando, Florida, podría quedar encerrado en la jaula de lo tendencioso junto con otros artistas de menor propuesta y calidad. Afortunadamente hay quién sabe que escarbar en la basura no es necesariamente para engullirla (sí, estoy hablando de Grimes). Este disco tiene experimentación del hip-hop vía chillwave y el otrora menospreciado sonido del R&B noventero. Melancolía gris y otros fantasmas puñeteros se dan su lugar en esta producción enorme, que de alguna manera es la respuesta instrumental a la soledad hallada en James Blake.

Varios - Re_Work: Phillip Glass Remixed

¿Cómo? ¿Un disco de remixes en una lista de lo mejor del año? Sí, un sacrilegio para aquellos que incurren en el error de no considerar un disco de remixes como una producción hecha y derecha. Pero si de algún modo debo convencerlos, diré que la obra a revisitarse es la de Philip Glass y que la iniciativa para realizar este disco corrió por cuenta de Beck, quien por cierto, hace una pequeña gran proeza con “NYC 73-78”. Por si fuera poco al convivio están invitados Pantha Du Prince, Amon Tobin, Memory Tapes y Cornelius, entre otros. No creo que necesiten más razones, ninguna más.

Lindstrom-Smalhans

Salido del horno de Smalltown Supersound (un sello cuyo nombre augura calidad), el noruego obsesionado con el disco y su potencial de mezcla con otros parámetros musicales, se aplica a sí mismo un back to basics en lo que se refiere a redefinirse un poco lejos de sus experimentaciones anteriores. Cósmico pero con cierta modestia, no debemos subestimarlo: el baile que nos proporciona esta vez no nos dejará oportunidad a la quietud. Cocinado junto con Todd Terje, este disco se dirige a su objetivo sin desviarse del camino.

Dntel - Aimlessness

El verdadero artífice del sonido de The Postal Service, vuelve a su proyecto de base y nos presenta grandes cambios: un sonido más austero en el uso de sampleos y más enfocado a los sintetizadores y las programaciones, rebajando a su vez las cantidades de guitarras y pianos, rechazando esta vez darle cabida a las colaboraciones vocales con artistas del indie folk. Rechazando todas las posibilidades de estatus que pudiese tener este disco por vía externa o a través de su propio pasado, parece ser un nuevo comienzo para Jimmy Tamborello, interesado ahora más en mostrarnos diferentes paisajes sonoros que en intentar formar parte de cualquier inmediatez que pueda resultar en fama. Enhorabuena.

Totally Enormous Extinct Dinosaurs - Trouble

Electro pop con toques house y un espíritu chamanístico para aderezar la pista. ¿Necesitan nuevamente sentir el baile como una experiencia colectiva necesaria para cierta catarsis? Este señor viene como anillo al dedo. Sobresale porque parece tener una visión panorámica de lo que significa el ritual de la congregación con la gente, no en el ámbito del DJ como superestrella. Orlando Higginbottom con todo y ese nombre estrafalario y largo, conoce las diferentes corrientes del antes y del ahora en la electrónica y las hace converger para beneplácito de quienes lo escuchamos.

Flying Lotus - Until The Quiet Comes

El suceso. El productor que ya no sólo es productor de hip-hop, puesto que se atreve a abarcar cada vez más terreno (del jazz y más allá). Y está en su momento: ya nada se le resiste, ni la crítica ni los fans y ni siquiera aquellos artistas que sucumben a la mezcla de su estilo y quieren formar parte de el (Thom Yorke, por supuesto). Estando en su punto álgido, con este disco esencial de 2012, sólo nos resta disfrutarlo y mantener la mirada fija para ver si Steven Ellison no comete el mismo error que Prefuse 73 y se enamora de su propio estilo.

JJ Doom - Key to the Kuffs

El hombre de la máscara de hierro lo vuelve a hacer. MF Doom es uno de los raperos iconoclastas, un objeto de culto que rima con soltura hablando cosas inverosímiles (o no tanto) con esa voz nasal que parece ser parte de un personaje de cómic (más concretamente el Doctor Doom de los Fantastic Four). Esta vez, se hace acompañar de Jneiro Jarel.

Pegasvs - Pegasvs

Vinieron respaldando a Los Punsetes en un evento y para mi gusto, acabaron comiéndose el mandado. Españoles-argentinos, otra vez del synth al indie y pasando por el Kraut. Son una feria con todo y juegos artificiales.

Beach House - Bloom

El disco más mentado del año, uno que va a estar en muchas, muchas otras listas ocupando el primer lugar. Y esto se debe a su capacidad de absorber a su escucha y meterlo en una burbuja de melancolía juvenil y tratarlo como si estuviera dentro de un vientre cálido, con la tensión de que puede abandonarlo en cualquier momento.

B. Fleischmann - I’m Not Ready for the Grave Yet

Indietrónica, si me permiten usar la etiqueta. Poder conciliar a un cantautor y a un productor de música electrónica no es cosa fácil, pero sale bien librado Y este señor parece querer decirnos que el mundo no se va a acabar por más que estemos esperando al apocalipsis, porque nuestra necedad como raza nos mantiene aquí.

Iamamiwhoami- Kin

Otra mujer indescifrable y hermética venida de Suecia y que se esparció de manera viral a través de videos en YouTube que formaban un acrónimo. Este truco y lo inquietante de su estilo músical y visual centro suficiente atención para que este disco se convirtiera en un indispensable inmediato, a pesar de que muchos no conocieron de inmediato de inmediato el nombre del proyecto. ¿Un truco publicitario? Sí, pero uno bastante bien pagado para los escuchas que no quedarán insatisfechos con este armatoste sonoro de experimentación electrónica lo necesariamente intensa como para mantener al escucha pegado. Esto es la era de la independencia.

Django Django -Django Django

Ingleses que tienen por gurús a los de Devo o a los Talking Heads, pero no se meten en el plan de hacer un evidente homenaje como serían otros grupos decantados por los disfraces y el humor. Hay aquí un poco de ese proto-art rock que había en dichos grupos, sofisticándolo europeamente. Sácalos del botadero de nombres que prometen y dales una oportunidad, porque es un debut de 10. Un secreto: son mejores que Alt-J.

Dirty Projectors - Swing Lo Magellan

Otros art-rockers, consagrados y respetados, no tan famosos como los que tienden a cortarse el pelo de manera asimétrica o a ser tremendamente tediosos en sus largos pasajes de radical experimentación sonora. Son humildes y sencillos y tienen una discografía impecable. Eso sí, aquí hay un poquito más de ambición y un paralelismo por lo que sucedió musicalmente en un momento específico del “rock”, trabajando en un carril paralelo a Zappa, Captain Beefheart y los Velvet Underground. No es bluff si logran algo equiparable

Cat Power - Sun

No deja de ser una ironía que entre más se mantiene al borde de su tragedia personal, Chan Marshall escribe mejores canciones. Ya había pasado con The Greatest y vuelve a suceder con esta vuelta de tuerca en el estilo al que nos tenía acostumbrados, desnudando su sonido pero agregando pequeñas programaciones y sonidos aislados.

Rocket Juice & The Moon - Rocket Juice & The Moon

Damon Albarn + Flea + Tony Allen. Y ellos no son el supergrupo ni se pretenden como tal. Pero la obsesión por África que tiene Albarn le hace seguir los pasos de Peter Gabriel y Paul Simon. La triada que firma este disco muestra que por afrobeat no paramos e incluso ellos mismos sacrifican protagonismo por hacer que las verdaderas estrellas del disco sean los músicos oriundos de aquellos lares. Se necesita ser desprejuiciado para empezar a abrir cancha en los sonidos del mundo y hacer un poquito más que sólo organizarles etiquetarlos en discos de World Music.

Gepe - GP

Gepe ha avanzado de manera que puede abrir su propuesta a su cada vez más amplio público sin perder en calidad. Echando mano de la música tradicional de las Américas con su despliegue de recursos de música pop de actualidad y un ya bastante cultivado charm en la interpretación se nota que en este GP, el artista alguna vez hermético de Gepinto ha decidido dejar su timidez a un lado.

María Rodés - Sueño Triangular

Madre patria sigue dando sorpresas para los que estamos al otro lado del charco. Me entero que éste no es el primer disco de esta joven, y se nota porque ya tiene esa suficiencia de forma que sólo la experiencia puede otorgar. Inspirada por un poema de Pessoa, le da formas a cada uno de sus sueños y los va transportando a canciones. Se nota esa ansiedad por transmitir todo lo que vió al cerrar los ojos y que se sienta en cada nota interpretada y cada palabra cantada. El único hilo de este disco es el del sueño mismo: un horizonte borroso.

Orelha Negra - Orelha Negra

Funk, el funk no ha muerto, el funk es una de las formas más originales de la música en el siglo XX, o eso dijo alguna vez Brian Eno. Desde Portugal se aprecia el jammin’, el sabor de Parliament o el toque a la Prince. No, no es un disco de hip-hop esta vez todos los elementos están ahí para enaltecer a los bajos gruesos y al soul. Quién diría que hasta para esto se puede usar el sabor carioca.

Miyauchi Yuri - Tone After Tone

Folktronica en el sentido estricto: un suave coito entre guitarras y otros instrumentos acústicos con una fuerte orfebrería para los elementos electrónicos. ¿Quienes si no son los japoneses los que pueden lograr la coincidencia entre la tradición y el futuro? Como una yuxtaposición de melodías arraigadas en los campos con los clicks y otros retruécanos provenientes de las computadoras, este disco es una apuesta interesante, una visión del zen trasladado a música dulce y reflexiva. Cómo ondas que se esparcen en un estanque cada tema compensa y sobrepasa al anterior. Una joya.

Shintaro Sakamoto: Viviendo entre chocarreros

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:19:10 -0500

El rock como lenguaje de la música popular del siglo XX se instaló en todo el globo adaptándose de maneras distintas e inciertas. Por ejemplo, en Brasil no fue bien recibido por las juventudes de filiaciones izquierdistas (claro, hasta la llegada de la tropicalia). En México comenzó sólo con traducciones de canciones en inglés para luego crecer hasta Avándaro, que luego se rompería en los cachitos que todos devoran en El Chopo. La lista sigue: Argentina y su blues, Inglaterra y el mersey beat. ¿En Asia qué sucedió? Lo que sucedió con muchos otros productos culturales de occidente llevados a Japón después de la Segunda Guerra Mundial: lo consumieron a raudales. Entusiasmados, los japoneses comenzaron con su group sounds (que era el término que se usaba en lugar de rock para denominar a las bandas influenciadas por The Beatles y The Rolling Stones), que después caería en una ola de cantautores influenciados por Bob Dylan, Nick Drake o Donovan. Tomobe Masato o Wataru Takada fueron prominentes en este estilo, pero la era del flower power japonés se inauguró con Happy End, comandados por Haruomi Hosono y desde ese momento inició un linaje de rock, psicodelia y folk que llega hasta Yura Yura Teikoku (algo así como “el imperio del vaivén”), banda liderada por el excéntrico Shintaro Sakamoto.

Yura Yura Teikoku fue un fenómeno del underground que obtuvo una fama inmensa en su país a pesar de practicar un estilo ácido y quizá poco comercializable. ¿Por qué funciona allá y no acá? Quizá porque desde un principio el rock desarrolló un público ecléctico entre los nipones, que pueden entregarse con menos reservas a diversas propuestas estéticas, de otra forma no se explicarían 21 años de este proyecto (1989-2010), incendiario y lisérgico, que es parte del soundtrack urbano de Tokyo, y que dejó algunas muecas de desaprobación cuando decidieron cerrar su ciclo.

Pero vendrían nuevas aventuras para Sakamoto (quién por cierto no tiene parentezco con su paisano Ryuichi Sakamoto). Una vez terminada la trayectoria de su banda, Shintaro decidió abrir nuevos paradigmas, que han comenzado bastante bien con la fundación de su propio sello Zelone Records, y con el lanzamiento en 2011 de su primer disco solista 幻とのつきあい方 [Maboroshi to no tsukiai kata], conocido en inglés como How to Live with a Phantom y con un par de releases también interesantes: un split de Shintaro con James McNew de Yo La Tengo y un LP de los extraños MAMA GUITAR.

How to Live with a Phantom no es un rompimiento excesivo con lo anteriormente hecho en Yura Yura Teikoku pero estamos en ese clásico momento en que el frontman toma todo el control creativo. Se escucha plenamente el pasado en cada riff de guitarra, donde esos fantasmas verdes con los que dice vivir Shintaro parecen ser exhalaciones de humo provenientes de un cigarro extraño. Se dan cita metales cuasi jazzeros, percusiones tropicales, órganos pop. Podría ser un viaje vintage pero no sólo se trata de un cuadro viejo, sino de círculos concéntricos a partir de la evidente obsesión por los 70s como estética y por una cadena que parece recorrer varios lugares de dicha época, como el elegante pop de Francia, la (entonces) novedosa movida de los sonidos étnicos africanos, la tropicalia brasileña, el órgano melódico de Juan Torres, el mambo de Xavier Cugat, los momentos más inclasificables de los alemanes y al final volvemos a ese folk rock descalzo y sentado debajo de un árbol hasta la coronilla de LSD.

La música de Shintaro Sakamoto puede ser un truco bastante obvio, pero a veces esos trucos suelen ser los mejores: las influencias son claras, pero no quedan dispersas. El disco tiene un mood conciso, (en este caso “fantasmal”). El verdadero reto para este músico es abrirse paso en América pese a la limitación del lenguaje (todos los tracks están en japonés). Hagánse un favor y escúchenlo, si empezaron escuchando canciones en inglés sin saber lo que decían, bien pueden volver a comenzar por aquí. Los dejamos con el video de “You Just Decided” animado por el propio artista. Por cierto el disco está disponible en varias tiendas de por acá.

David Byrne + St. Vincent: bailando con el gigante

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:16:33 -0500

En ésta, su querida columna, lamentamos habernos unido tan tarde a la ola que conllevó el disco-colaboración entre David Byrne y St. Vincent, Love this Giant. A pesar de que lo escuchamos en su momento, hasta ahora lo comenzamos a desmenuzar ante ustedes, ya que consideramos que es una obra redonda y sin desperdicio alguno.

Para empezar, en apariencia, sería difícil emparentar a dos figuras como David Byrne y Annie Clark. Pero acercándonos un poco a sus propuestas musicales, nos damos cuenta que los puntos se empiezan a unir solos. No es gratuito si pensamos en el tufo artsy, propio del downtown neoyorkino que desprenden ambos, Byrne en su papel de gurú irreverente y Annie como heredera de Laurie Anderson.

Ambos son artistas eclécticos en su manera de producir música: Byrne por su cualidad de trotamundos sonoro que le ha hecho viajar del post-punk a la música afrocaribeña fusionando ritmos pero no devorándolos. Mientras que St. Vincent es una joven artista que no niega sus influencias, si no que incluso las exhibe para hacerlas trabajar y lograr su propio statu quo como músico.

Escucharlos trabajar juntos es definitivamente un agasajo. Anteriormente tuvimos la oportunidad con el disco Here Lies Love (Proyecto de Fatboy Slim con Byrne) de darnos una idea, ahora es una producción completa con 12 tracks. En este Love this Giant el protagonismo que irradian los dos no es obstáculo para apreciarlos en temas increíblemente ejecutados; que, por si fuera poco, fueron producidos a distancia, trabajados y retrabajados. Ambos artistas se mostraron contentos por poder escuchar al gigante con toda su altura en la pequeña gira que realizaron juntos.

Los sonidos de metales y otras orquestaciones, tan característicos de las últimas producciones de Byrne, están presentes, pero al encontrarse en escena con los discretos pero acrobáticos riffs de guitarra y las programaciones de Clark, sabemos que el disco no fue realizado con la premura de convertirse en un hit de los charts indie (aunque lo será).

Cuando cantan juntos más de un fan se sentirá agradecido, como en “Dinner for Two” o “I am an Ape”. Disfrutando sus voces por separado se notan también avances. Byrne suena más suelto y energético que de costumbre, desde la abridora “Who” y sobre todo en “I should Watch TV”, track de donde proviene el nombre del disco (se incluyen varias frases del poema “Song of Myself” de Walt Whitman); una oda a ser parte de lo que se ve a través de la televisión, el medio, otra vez es el mensaje.

Annie también destaca en “Weekend in the Dust”, que es frenética, y en “Lightning”, que bien pudo provenir de alguno de sus propios discos. Ambos dicen que hacer este disco fue bastante “democrático”, lento pero con un resultado que los ha dejado a ambos con gran satisfacción. Sin duda es un disco con momentos funky, con letras interesantes, influencias multiculturales y un mood que, a pesar de transitar por momentos tensos o melancólicos, nos invita a amar al gigante, es decir, darle sus besos al mundo.

Cómo Vivir En El Campo (o cómo adentrarse a salir)

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:13:59 -0500

Hay algo bastante atrayente y particular en la escena independiente española: pueden llegar a pasar por evidentes momentos de crisis en su país (como hoy en día), pero no dejan de producir arte de calidad. Su reputación está a la altura de la música que realizan, y nos regalan cosas imponentes en diferentes latitudes sonoras.

Los nombres son muchos, algunos más grandes que otros (en alcance masivo) y lamentablemente pocos han pisado nuestras tierras (sobre todo en ese festival que cada vez tiene menos de vivo y ya casi nada de latino). No nos queda más que entrar por los recovecos sonoros que se abren en la web para poder escuchar a estas bandas, hechas de méritos y no de hype.

Justamente eso me sucedió con una canción que hallé y decidí escuchar por su título: “1 de cada 2 noches en tv se oye decir te amo”. No quedé defraudado luego de esos tres intensos minutos de surfear la melancolía. El nombre de la banda: Cómo Vivir En El Campo (CVEEC)

La sugerente frase que identifica este proyecto personal de Pedro Arranz parece ser una instrucción, o quizá una guía para adentrarse a salir y descubrir una sorpresa, aún si es mínima, en lo cotidiano. Es el poderío de la carretera, de cierto desenfreno y de oír una guitarra, tal y como en el video de “Amor y pedagogía” (quizá sea una referencia a Miguel de Unamuno), canción incluida en su disco CVEEC (Discos Calabaza, 2012).

Admito que desconocía de Pedro Arranz y su carrera que, por lo que he investigado, lo coloca como una de las figuras de interés del underground madrileño. El trabajo que ha invertido en este proyecto le ha llevado a la realización de 3 discos autoeditados (que no he tenido la oportunidad de saborear) y este nuevo material, de la mano de un sello incipiente pero muy bien organizado (no olviden checar a sus hermanos de sello, Sector de Agitadas).

¿Que tenemos por aquí? Para empezar se puede detectar la influencia de esas bandas venidas de lejos y que tienen más respeto que fama a la hora de hacer canciones (hablo de gente como Yo La Tengo, Red House Painters o Pavement). Obviamente, en manos de la guitarra ligeramente surfera de Arranz, estos ritmos toman un camino propio y nos cuentan una historia nueva bajo unas letras que son como una buena narración: no entenderás todo la primera vez, pero quedarás tan fascinado que necesitarás escucharla una y otra vez más.

Es una colección de momentos agridulces y ambiguos. “Por todas partes” y la mencionada “Amor y pedagogía” pueden exudar chabacanería pero también cierto sentimiento gris, que se recrudece en “Ella dice que somos como árboles”.

Hay también un tono burlón en la acompasada baladita “No tenían aspirinas así que traje cigarrillos” y en la guitarra acústica de “Moderna”, retrato de las chicas de hoy y sus estrafalarias costumbres. Increíble esa resonancia de los últimos años de la década de 1980 en “Escándalo en la playa” y que encuentra su cola en “Escándalo en la montaña” de batería kraut y acordes limpios y azules.

En resumen: aún el rock en apariencia simple esconde secretos que son revelados cuando se invierte paciencia y se presta suficiente oído. Todo un ejemplo en calidad, en sonoridad e incluso en distribución: Esta disponible en Bandcamp en el modo name your price, en donde pueden escucharlo completo o a través de Discos Calabaza, donde pueden adquirir un precioso vinil a un precio razonable (yo ya estoy juntando mis domingos para uno). Si me consigo algo de lo anteriormente hecho por CVEEC, se los haré saber. Por lo mientras, adéntrense a salir.

Godspeed You! Black Emperor: llegando a la orilla

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:10:29 -0500

Cuesta trabajo reconocer que este texto será insuficiente para hablar de las cualidades de Godspeed You! Black Emperor (GY!BE), ese colectivo canadiense comandado por Efrim Menuck, que se suele relacionar con el llamado post-rock, lo que los emparenta, desde la aparición de su primer LP f#a#∞, en 1997, con bandas como Hood o Mogwai.

Para quienes no los conozcan, éste es un proyecto que involucra a nueve músicos (que, sin ser su formación más numerosa, sí es la más sólida) de tendencias anarquistas, anticorporativistas y con un manifiesto desagrado por todo lo que implica la industria musical. Todas estas posturas, junto con los visuales inquietantes de sus conciertos, la palpabilidad de su posición política en los sampleos que usan y en el arte de sus discos, y su denuncia del oscurantismo de los tiempos en que vivimos, son elementos que les brindan cierto culto.

Por estas razones, cuando en 2002 inició su inactividad, podrían haberse dedicado solamente a atender otros proyectos (A Silver Mt. Zion, Set Fire to Flames, Fly Pan Am, HRSTA) y quedarse tranquilos: ya tenían su legado asegurado como uno de los proyectos musicales más misteriosos y respetados del circuito. Sin embargo, el festival All Tomorrow’s Parties del 2010 los anunció como parte de su cartel y de ahí vendría la esperada declaración: nuevo material. Fue hasta octubre de este año que discretamente se coló la noticia de su lanzamiento. Su nombre: ‘Allelujah! Don’t Bend! Ascend!. Y así se dispersó una neblina de diez años.

Como es costumbre en la obra de esta agrupación, las piezas centrales son largas y se intercalan con otros tracks más cortos pero no carentes de intensión y lugar.

A pesar de que las dos piezas más extensas de este disco provienen —presuntamente— del repertorio en vivo de la banda, ésta es una obra nueva y fresca, acorde con su momento y contexto: cuando pausaron su andar, el fragor post 9/11 alcanzaba sus cuotas más altas, ahora vuelven cuando la inestabilidad y el belicismo aún se pueden oler en Estados Unidos.

Nada nos puede preparar para la masa sonora que dejan escapar, aún cuando se muestra poco a poco en el inicio de la grabación, con “Mladic” (saludo al criminal de guerra Ratko Mladić); en ella el paraje es desierto y las guitarras poco a poco chillan como aves de corral por la mañana. Uno no espera la llegada de las paredes colosales de sonido, de ruido con influencias del punk o del metal pero desprovisto de toda referencia, excepto por el caos propio que generan en el momento. Para cuando la enorme nube gris ha dejado de cubrir el sol, el paraje es igual de seco que al principio, pero lo abandonamos con ritmos y cantos propios del oriente cercano.

“Their Helicopters’ Sing”, con sus casi siete minutos, es como un campo de fuerza que se concentra en un punto determinado. Son atonalidades de cuerdas que giran de forma concéntrica, revelando una tensión palpable. No es música ambiental, porque te toma directamente, no te permite desviar la atención.

“We Drift Like Worried Fire” es el otro track largo. No es un contrapunto radical, pero sí significativo: su inicio es lento, de repente aparece una guitarra que con un simple acorde que se repite y sirve de base para un tema épico que podría confundirse con alguna otra banda afín. Conforme sube de intensidad queda claro que se trata de ellos: si el sonido de la banda es post-rock, si tal término ambiguo fuera válido, GY!BE pertenecería a otra era. A pesar de utilizar las baterías y las guitarras, el espacio sonoro que abren es otro y es rico por una simple razón: se le pueden asignar adjetivos que busquen definirlo, pero siempre sobrará espacio por explotar, por llenar. De esta pieza puedo decir, por ejemplo, que al principio es melancólica, triste, y que a la mitad se vuelve aterradora, para, al final, alzarte muy alto sin que puedas poner resistencia.

Ahí donde el posmodernismo hace declaraciones, GY!BE pone solamente sus acordes, que bastan para crear el retrato de nuestros tiempos, barnizados por la decadencia y el cansancio. Podemos asignar las muletillas que creamos más convenientes, aun así será difícil hablar de tantas sensaciones encontradas, y es así: aunque el mundo se esté desmoronando, todavía falta un trecho por recorrer. No entiendo por qué no han llegado a México, pero este disco puede ser la excusa adecuada.

Kid606: Dance with el chorizo

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:08:44 -0500

Recientemente leí un artículo en cierto blog, que calificaba al DJ en turno, Skrillex, como “terrorista sonoro”. No pude más que contener una carcajada esbozando una sonrisa. ¿Tan malbaratada está incluso la provocación en el ámbito musical? Entiendo que todo tiene su justa medida, pero es curioso que en este fenómeno exista un equivalente de aquel movimiento conocido como new metal: maquillaje, pose, clichés sonoros fáciles de digerir, eso nos vendieron en algún momento varios músicos con la bandera de la “agresividad”. Skrillex busca eso también, la impresión fácil a partir de una estética y de una colección de tics sonoros que son pomposos pero huecos, listos para hacer rebotar las bocinas, aunque demasiado complacientementes como para considerarlo un “terrorista sonoro”.

Podría seguir atacando al joven con la cabeza a medio rapar, pero el punto al que quería llegar es que entre los artistas que insertan la incomodidad y la disidencia en la escena electrónica, se encuentra el venezolano Miguel de Pedro, conocido como Kid606, quien se dedica a remar a contracorriente y malencara a todos desde que, en 1998 a los 16 años, lanzó Don’t Sweat the Technics (Vinyl Communications), donde señalaba a todas las escenas en boga, las parodiaba y nos invitaba a hacer lo mismo con nuestros dedos.

Sin duda es un geniecillo, pero si la escena en que se desarrolló era una fiesta, De Pedro decidió ser el que siempre se vomitaba en los sillones. Odiado y amado, siempre da de que hablar: celebra la era post-rave, la locura del lenguaje binario, el breakbeat, el drum and bass, el gabber, severas dosis de ruido y casi todo lo que le pase por delante con la soltura del cínico que sube todos los niveles al tope. Incluso teniendo entre su discografía otras excelentes piezas de aires más relajados, minimalistas y ambientales, no escatima en recursos mordaces para bajarle la intelectualidad a la vanguardia. (Discos con títulos como Pretty Girls Make Raves o Songs about Fucking Steve Albini y canciones burlonas como “It’ll Take Millions in Plastic Surgery to Make me Black” o “Luke Vibert Can Kiss my Indie-Punk Whiteboy Ass”.)

Y como dijimos, el señor también tiene sus ratos (aparentemente) serios. Sin que tenga —completamente— una doble personalidad, esta faceta nos permite ver otros de los intereses musicales, teniendo al ambient y al glitch como plataformas sonoras. Dentro de esta zona, discos como Ps I Love You y Resilience son joyas de orfebrería sonora compleja pero finalmente bella.

Su nueva producción Lost in the Game es el producto de lo que sus palabras fue “un año muy malo”. He ahí el ambient, por momentos tranquilo pero por otros generando neblina y tensión. Hay un mood oscuro y lento que va penetrando a lo largo de cada pieza.

La superposición de melodías simples y de capas de ruido remiten al trabajo que ha labrado con el tiempo. Hay acidez en cada uno de los sintetizadores análogos que emplea y en el telón de ecos y reverberaciones que receta a discreción.

Mamando de otros ritmos para insertarlos en su delirio, en esta ocasión los tracks tienen mucho de las maneras del hip-hop en cuanto a ritmos, programación y disposición de los sintetizadores. Esto funciona adecuadamente para el tono sugerente de la producción en general. “Big Black Ketamine Jesus” es un ejemplo de ello: la superposición del ritmo hip-hop con las teclas discretas para ajustarnos los tornillos. “Left Hand Pathfinder” es como si Cypress Hill se dejase escuchar a lo lejos en medio de la nieve. Entre las razones para escuchar este disco una y otra vez están “I Want to Join a Cult” y “I Need to Start a Cult”, piezas hermanas que demuestran la evolución del estilo y la ansiedad por capturar al escucha y dejarlo atrapado en medio de melancolía y opresión.

No creo que se necesiten más argumentos a favor de este artista. Visiten la página de su sello Tigerbeat6 y conozcan a otros esperpentos sonoros.

Stars: "Batallas en el desierto"

tone-twilight-zone — Thu, 24 Jan 2013 18:03:00 -0500

Los canadienses son productores de un sonido que deambula entre el pop, el folk y el rock, y que técnicamente cuenta ya con una denominación de origen. Más allá de Arcade Fire y de las vacas sagradas de Arts and Crafts Records (Feist y Broken Social Scene), hay una lista de nombres que no pueden pasar desapercibidos para los entendidos, y que quizá no cuenten con las medallas que la crítica les podría colgar, pero son bandas cuyas canciones pudieron haber estado en un cassette grabado en mis días de secundaria. Entre estas puedo mencionar a Born Ruffians, Braids, Destroyer, Wolf Parade y Stars, estos últimos lanzaron recientemente The North (Soft Revolution Records).

Sí, sé que eso de las cintas no es bastante glamuroso, que forma parte de esa educación sentimental que vamos desarrollando en fiestas, en reuniones, escuchando discos, regalándolos o perdiéndolos, haciendo el viejo y tonto ritual del cortejo. Luego queremos negarlo todo, tirarlo por la borda, pensar que nunca fuimos así, decir que somos sensibles, pero no cursis. La música es el imperio de la melancolía y de la sensiblería (uno podría escuchar cosas tremendamente abstractas como Autechre y teñirlas de cierta carga sentimental) pero hoy en día estamos tristes por dentro y aburridos por fuera, mientras bajamos por el scroll infinito de las actualizaciones sociales.

Stars es lo mismo calidez que tristeza. Es una calle de doble sentido que corre sobre los acordes de un sinte setentero, en “The Theory of Relativity” (Now that you’ve grown so wise / Use that head and stop to think a little / Just cause you’re crazy doesn’t mean that you’re free). ¿Así se comienza un disco? ¿Bailando para recuperar aquello que fuimos? Quizá desinhibiéndonos de la propia pose de “madurez”. ”Hold on when you get love, / And let go when you give it” sigue la línea y quiere mostrar una sentencia paradójica, de esas que encantan para explicar las cosas más indefinibles. Las cuerdas , los coros y el estribillo que se repiten la convierten en un mantra reconfortante, aún ante la posibilidad de que todo termine.

El disco es el diario de un viaje interno, no hacia el pasado, porque lo que ellos dicen con cada alusión al ayer está claro: el pasado nunca se va a reparar, no puedes reunir los pocos fragmentos para tener la imagen completa. “The North”, tema capital del disco, detalla esa travesía muriendo a lo lejos y esperando por lo menos un lugar caliente al final de la nieve (Good luck bad luck survivor / Sleep is my friend and my rival).

¿Qué edad tendrán Torquil Campbell, Amy Millan y el resto de la banda? Supongo que rondan los 40 e incluso tienen hijos, pagan sus impuestos y andan en crocs los domingos. Y yo, les creo con toda firmeza cuando dicen que una canción es un arma, un arma para dispararle lo mismo a un viejo amor que a un dictador, una disidencia musical que adquiere un adepto en cada escucha.

En la era del mp3, poco romanticismo hay en el posteo de una canción en un muro de Facebok. Es una protección masturbatoria contra lo que esa música puede sembrar en tu cabeza. Personalmente quiero creer que las canciones aún pueden provocar cosas en el mundo y en las personas.

Con Stars me queda claro que no hay redención absoluta en aceptar quienes fuimos, no hay una victoria total en ser cursi. Vas a ser lastimado, habrá decepción, pero en el sentimiento, en encarar el dolor existe el movimiento; y el movimiento nos tiene que llevar a algún lado.

Prometo grabarles un cassette con estas canciones.

–En este link puedes escuchar el album completo vía Soundcloud

Photo

soundstaticsilence — Mon, 14 Jan 2013 00:41:26 -0500

roleneart: David Bowie Comic! The text is a quote of his from a...

soundstaticsilence — Sat, 22 Dec 2012 02:17:16 -0500

roleneart:

David Bowie Comic! The text is a quote of his from a 1997 interview.

nationalgeographicmagazine: To me, the aesthetic allures of...

chrysantemum — Sun, 25 Nov 2012 17:46:32 -0500

nationalgeographicmagazine:

To me, the aesthetic allures of nonvenomous rhinoceros rat snakes are their odd, lustrous colors and their snout protrusions. I’ve photographed some 120 different species in this series, but I’ve barely scratched the surface—there are more than 3,000 in the world.
www.guidomocafico.com

Team Doyobi: "Algoritmos empolvados"

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 15:07:57 -0500

La estética del error es, evidentemente, la de los hijos del Nintendo. Sin verla con la nostalgia de quienes se apasionan por las gráficas de 8 bits y la música chiptune, el error tecnológico detona una cuestión fundamental: las máquinas también se equivocan. Para la época en que el techno se volvió minimalista y varios, de plano, lo llamaron Intelligent Dance Music (IMD), la falla tecnológica era el factor determinante, la sorpresa que auguraba el cambio del milenio: ese sueño que el Y2K que nunca cumplió.

Componer a partir de la basura digital es administrar el glitch, buscar la musicalidad (y la no musicalidad) en el desperdicio tecnológico y en la futilidad de las herramientas del progreso. Por ello también existe un parentesco con la música industrial y las exploraciones del ruidismo. No existe decepción ni sufrimiento, pero existe la tensión de la era informática.

Lo sembrado por Autechre, AFX, Pansonic, Pita y otros, tuvo su nicho e incluso se le puede llamar movimiento. Fue considerado vanguardia por la prensa y su estética todavía tiene cola que le pisen; sobretodo hoy, en la era del sintetizador omnipresente.

Christopher Gladwin y Alexander Peverett se hacen llamar Team Doyobi y empezaron musicalizando videoinstalaciones en la década de 1990. Usando computadoras obsoletas y otros chunches repletos de microchips empolvados como instrumentos musicales, se convirtieron en un referente obligado del sello SKAM, que también editaba los discos de Boards of Canada.

Este año vuelven con Digital Music, vol. 1, un material donde su línea de trabajo continúa y demuestra tener cuerda para rato. Ellos siguen rodeándose de objetos, buscando retorcerlos para seguir exprimiéndoles, a partir de la síntesis, los matices que pueden liberar cuando son manipulados.

Renegandos del software comercial con el que podrían producir su música, insisten en seguir grabando, procesando y sintetizando todos los sonidos que crean en sus cacharros para hacer música con un ritmo y un sentido melódico complejo, pero que engancha a quien la escucha. Máquinas corrompidas para seguir funcionando de manera forzada… ¡qué bellos son los sonidos que pueden generar!

B. Fleischmann: "No me sigas"

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 15:00:28 -0500

La música, cuando se termina, deja el peso del silencio. ¿Podemos soportarlo? La vida cuando termina, deja el peso de la ausencia. ¿Es entonces la vida una línea recta, una carretera que corre hasta topar con pared? Bernhard Fleischmann tiene algo que decir al respecto en la canción “Don’t Follow” (If life is a puzzle / Don’t start with it’s frame), que abre la puerta de I’m not Ready for the Graveyard Yet (Morr Music, 2012), su nuevo disco, su nueva obsesión por hablar del final y del fatalismo, cambiando así su propia dirección musical.

B. Fleischmann es un nombre definitivo si se quiere ubicar el matrimonio en la década de 1990 entre el pop dulce de caja musical y el entonces naciente IDM, algo que la crítica tuvo a mal llamar indietronica. Junto a otros geniecillos inocentes como Donna Regina, DNTEL, Tarwater y Lali Puna, se ocupó buena parte de los últimos trece años en escarchar los beats, sintes y secuencias para generar calor de hogar (escuchen el ya clásico disco de Bernhard Pop Loops for Breakfast, cuyo nombre lo dice todo). Junior Boys, Morgan Geist y el disco solista de Erlend Oye vienen de ahí.

Con todo y su relajada manera de ver la electrónica de vanguardia, sus últimos lanzamientos apuntaban a que Fleischmann se estaba decantando por piezas largas y más complejas. Su anterior disco, For M / Mikro_Kosmos, que homenajea al desparecido Mark “Sparklehorse” Linkous, es una fotografía en gran angular de un paraje, donde tal vez la única alusión sentimental sea la tristeza.

Pero ahora la jugada ha cambiado, ya que el artista vuelve a sus formas originales, pero empujándolas hasta donde no había ido antes. Para su público, para el mundo, puede que la frase que da nombre al disco sea una sentencia pomposa de un músico respetado, pero no famoso. Aunque Fleischmann es mordaz, y la mejor manera de dar a entender que “No estar listo para la tumba” es al mismo tiempo una ironía y una verdad universal, ha tenido que tomar su propia voz y cantar sus propias canciones.

Las letras hablan con cansancio, también con melancolía, pero sobre todo con humor, de cosas como el impedimento mayor para vivir: la hueva (“Tomorrow”, todo un himno a posponer las cosas). Habla de las relaciones fallidas (“Who Emptied The River”), de la envidia, la autocompasión y la civilización que aún no están listas para morir porque se afanan en persistir (I’m not ready for the graveyard yet).

Musicalmente hay pop, se escucha al artista como un cantautor, que toma su guitarra y ofrece acordes que remiten a Yo La Tengo, Red House Painters o Stephen Malkmus, pero en clave electrónica e incluso con un grado de experimentación que tiene mucho del techno alemán, aunque no interfiere en el poder melódico, en la estructura básica de las canciones. Fue un reto seguramente, él mismo dice que no estaba convencido de poder hacer ese crossover sin que sonara forzado y tuviera malas letras.

Este disco es parte un Zeitgeist desencantado y sonriente al mismo tiempo, muy a la manera de Momus: Si crees que todo acaba en el mismo tiradero, si todo va a dar al mismo lugar, por lo menos no fluyas como otros (“Don’t follow me” pide repetidamente a lo largo del trayecto). El premio de seguirlo hasta la tumba es la canción de cuna “Your Bible is Printed in Dollars”, en la que compartimos círculo infernal con Bono y Sting y Fleischmann funge como el DJ del infierno. Puede que todo tenga un final, así que hazlo divertido.

Natalia Lafourcade - "Piensa en mí"

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:58:49 -0500

He amado y he tenido la gloriosa dicha de que me amen. Las mujeres en mi vida se cuentan por docenas. He dado miles de besos y la esencia de mis manos se ha gastado en caricias, dejándolas apergaminadas. He tocado kilómetros de teclas de piano y con las notas de mis canciones se pueden componer más sinfonías que las de Beethoven […] Soy un ingrediente nacional como el hepazote o el tequila, pero en el fondo soy más Werther que Dorian Gray.

- Agustín Lara, conversación con José Natividad Rosales, Siempre!, abril 1960.

Hombre nacido en el albor del siglo pasado, El flaco de oro es un mito imponente y arraigado en la psique de nuestro país. También es una figura impagable: se han derramado (y se derramarán) mares de tinta y de bits que buscarán desentrañar al cano y desgarbado hombre sentado al piano. Formando una santísima trinidad con otros dos personajes enormes, El exiliado del pasado, Jose Alfredo Jímenez, y la quimera de la autocompasión, Juan Gabriel, Agustín Lara nos brindó el cancionero ideal para ese sitio donde el México moderno se educa sentimentalmente: el bar, el tugurio, la cantina.

Cancioneros que calaron hondo en esas noches, solas o en compañía. Piezas, letras que han sido reinterpretadas, amaestradas, domadas e incluso arrastradas por intérpretes de todo circuito popular nacional, con resultados dispares, algunos hasta ominosos. Pero, ¿hay entre los jóvenes intérpretes del pop mexicano actual, alguno que quisiera llevar a su feudo el cancionero de Lara? (No, los robots karaoke que cantan en La Academia y similares, no cuentan.) Natalia Lafourcade tiene algo a su favor: piezas tan acostumbradas como asimiladas, siempre gozarán de otra oportunidad.

Lo emprendido por la pequeña (y hermosa) joven en Mujer divina no es ningún rescate. Claro, sería rescate para los escuchas de El fonógrafo, que son un público para el que todo tiempo pasado siempre fue mejor y la cantaleta de “las canciones de antes”. Con su público, Natalia sale con una misión distinta: antes que homenajear a Agustín Lara como si estuviese musicalmente criogenizado, es más pertinente indagar en la esencia de sus temas y en su tema principal: el amor por sus mujeres, su alegría y su melancolía.

A pesar de su naturalidad como intérprete y de la congruencia de su evolución, Natalia aún no se gana el voto de muchos melómanos (aquellos que no le perdonan el pop ligero) como tampoco el de los gustosos del rock (aquellos que no le perdonan ser pop y sobre todo ¡ay! mexicana). Y, siendo este un disco de versiones, de canciones que cantaron nuestros abuelos, nuestros padres… el riesgo es aún mayor. Pero quien no quiera participar, se perderá de una colección fina, tanto en lo musical como en lo interpretativo. Los músicos invitados, varones todos ellos, son otro ingrediente decisivo: añaden un feeling especial, sin caer ni en la teatralidad ni en el humor involuntario. De una leyenda como Gilberto Gil, pasando por los cuates de la chamba como Meme, Adrían (de Babasónicos), hasta llegar a los exploradores del lo latino como Drexler o Kevin Johansen, Agustín Lara es dignamente homenajeado hasta por un Miguel Bosé que sorprende y demuestra tener algunos ases escondidos bajo la manga.

Que quede claro: Natalia Lafourcade no es la segundona de ninguna intérprete angloparlante, sea del alto o del bajo folk. Tampoco involuciona por grabar números que para muchos son una apuesta segura. Ella es firme y al final el nivel de su música le da la razón. Divina, como la mujer a la que Lara le compuso tantas canciones.

*Por algún motivo YouTube no permite a los usuarios mexicanos ver el video oficial (y mexicano) de La fugitiva a partir de ésta mañana, pero si quieren intentarlo aquí el link.

Breakbot: “Nena, soy tuyo”

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:56:57 -0500

Ed Banger Recs se señala ahora como una disquera con un éxito que no es proporcional a sus méritos musicales. Sin embargo confieso a título personal que estuve montado en la ola que se alzó imponente en 2006 y salpicó a todos los clubes del mundo, a la moda e incluso nos colgó la etiqueta de hipsters a quienes bailábamos los singles de este sello. De entonces hasta ahora, entre lo justificado y lo injustificado, me quedo con algunos LPs como el † de Justice (2007), el Lambs Anger de Mr. Oizo (2008), el Lucky Boy de DJ Mehdi (2007) y algunos sencillos de Uffie y SebastiAn. Tienen todo el crédito. ¿Porqué? Porque los franceses hacen house y disco con la mano en la cintura, por eso.

Y dadas las circunstancias es importante el lanzamiento de By Your Side, el disco debut de Breakbot, o de Thibaut Berland, el verdadero nombre de este DJ. La razón de esta afirmación es que el también diseñador gráfico ha dado al sello el disco más sólido que ha tenido en los últimos dos o tres años. Y es de música disco, quién lo diría.

El sonido disco fue toda una subcultura, fue la única manera en que la comunión, el amor libre y el baile del hippie promedio podían verse rescatados. Agregando glamour, glitter y subiéndole los beats a las canciones motown. Aún así, todavía hoy se le acusa de basura, de Muzak. El maestro José Agustín dijo en su libro La nueva música clásica que “la música disco llevó a la cúspide las tendencias de uniformar y programar a los chavos como zombies, más que robots, y fue contexto perfecto para toda la fiebre del consumo y de vaciedad espiritual que tanto gusta a la clase media alta”. No negamos el oropel, pero estoy seguro que el maestro nunca se dio la oportunidad de poner a girar un disco de Barry White y apreciar no sólo su habilidad vocal, sino su destreza y verdadero talento componiendo y dirigiendo la orquesta. Él se lo pierde.

De ahí que, aunque la música disco fuera un verdadero paragón donde se encontraron el funk, influencias de música clásica, de samba, de lo africano, al final se le considerara, posteriormente, sólo un chiste. ¿Cuántas bandas no tienen una canción de tintes disco sólo por cotorrear? Estados Unidos tiró del nido al movimiento, que fuera de algunos coqueteos con el post-punk, se tuvo que refugiar en Francia, de donde procedían varios de sus mejores creadores. Con el tiempo el género siguió mutando hasta llegar al house, el llamado toque francés que nunca ha fallado.

Y con Breakbot sucede que, luego de un pequeño intro, “Fantasy” (un dueto con Ruckazoid) es por completo baile para lanzarse bajo las luces. Este tema nos muestra la influencia de aquel Michael Jackson, aún negro y producido por Quincey Jones, que nos enseñó el funk y el disco como hermanos siameses, con distinto cerebro pero con un mismo corazón, anunciando de cierta forma a Prince. “One out of Two” viene como sencillo con unas cuerdas precisas y trepidantes, bastante charm en el coro y un aire de aquellos olvidados Tavares, además de una letra simple (y amorosa), como debe ser en este tipo de tracks. La dupla de “By Your Side” (partes I y II) devela una visión más allá del puro refrito y, sobre todo, tiene un nivel musical más alto que varios de sus amigos de Ed Banger: se trata de una especie de homenaje a aquellas suites del disco que tejía el genio Cerrone, el cerebro francés de los ayeres; una muestra de que lo traen en la sangre. La instrumentación cuidada hasta el más mínimo detalle, el feeling, la progresión del tema, son simplemente increíbles.

Luego de más baile con “You should Know”, ”The Mayfly and the Light” es una balada pop lenta, que nos recuerda que dentro del disco siempre hubo matices y los temas lentos eran disfrutables también. La manera en que convergen el órgano y los metales en los coros, bien podrían haber sido obra de aquel Gino Vanelli o de un Barry Manilow en un ataque de inspiración. “Programme” en cambio, es la continuación de la ruta futuristíca hacia la tierra prometida, retomada por Giorgio Moroder de Kraftwerk y que para muchos señalaba hacia Detroit como la tierra prometida. Este tema es más serio, quizá más robótico y tiene que ver con el trabajo de creadores menos conocidos como Jean-Pierre Savelli o V.D.B. Joel.

Pero una vez que caemos en “Baby, I’m Yours”, es imposible no enamorarse de Breakbot. El inicio lento, el bajo constante, el piano que juega con el sintetizador y esa voz (la de Irfane) que revive y redime a Leo Sayer, ahí está, es él y nosotros nos movemos mientras el piso cambia de colores. Esta producción y este artista demuestran que el disco no necesita ser rescatado, sea como visión decadentista por el electroclash, o como revival de paso en el zombie postpunk de LCD Soundsystem. El disco, como sonido, necesita ser escuchado y bailado. Esta propuesta, como la de Chromeo, parecen decirnos: “¿quién necesita swag cuando tienes disco?”. Breakbot viene a la ciudad dentro de poco, vayan mandando su traje blanco a la tintorería.

Cornelius: la máquina de la música

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:51:41 -0500

Keigo Oyamada, tomó su seudónimo del personaje simiesco del planeta de los ídem. Inspirado por ese alucinante filme de ciencia ficción, este joven japonés acababa de dejar a Flipper’s Guitar, y ya tenía cierta fama encima pero con una propuesta nueva. Han pasado casi 20 años desde entonces y el salto ha sido cada vez más arriesgado. Del sabor de psicodelía tropical y samba de First Question Award (1994) a la finura experimental e inquietante de Sensuous (2006) tuvieron que pasar demasiadas cosas en el camino, entre influencias del hip-hop, los Beach Boys, el ruidismo, la tropicalia y las experimentaciones alemanas.

Oyamada relata que de joven se encontraba tocando con demasiadas bandas a la vez; unas tocaban covers de Black Sabbath, otras ska, otras punk. Con una vida entre ensayos y pequeños conciertos, una cosa es segura: aprendió a manipular su manera de tocar de forma ecléctica, algo que en su carrera adquiriría una relevancia total. Para el momento en que los oídos del mundo occidental se posaron sobre Fantasma (1997), el sonido de Cornelius era una visión retrofuturista y mastodóntica del rock como detonador de todas las explosiones musicales del siglo XX.

Esta misma visión tan amplia se convertiría a la larga en un pequeño peso, que le empujaría a más cambios en favor de la reducción. Si algo quedó de todo aquello, fue el gusto por colaborar con otros, un poder para influenciar y ser influenciado ya sea como productor o coautor (Ryuichi Sakamoto, The Bird and the Bee, Stereo MCs, Beck, Yoko Ono) o en el remix (James Brown, Blur, Moby, Sting, Bloc Party, The Go! Team). Estamos ante un artista que ofrece un toque al que pocos pueden resistirse.

La que nos ocupa en esta ocasión es su cuarta (!) compilación de remixes CM4: Interpretation Remixed by Cornelius, una colección de once temas en la que se puede analizar cuáles son las perspectivas desde donde Keigo aborda la labor del remix. Trevor Jackson alguna vez dijo: “Yo no convertiría jamás un tema de Massive Attack en una pieza de progressive Trance […] Un buen remix siempre busca generar algo nuevo”. Es decir, el remix se convirtió hace poco menos de veinte años en una estrategia de marketing para desempolvar a artistas para que entren al gusto de los nuevos públicos o simplemente por no quedarse atrás. De algún modo, sicarios de todos los géneros electrónicos propiciaron esa situación que pasó, incluso, a ser algo bastante molesto (faltan dedos en las manos para contar aquellos remixes nefastos). Hoy en día la situación es un poco más equilibrada. Podemos tener a Goldfrapp remezclando a Lady Gaga y tener garantía de que por lo menos será entretenido; o tenemos los remixes del hype: hace un par de años todos querían tener un remix de Justice y hoy uno de Jamie XX. Y no olvidemos a todos los niños armados con sus laptops que remezclan desde sus casa y postean en blogs.

Lo de este japonés entra en un espacio bastante gratificante: el del remezclador como coautor. No hay límites, y gracias al buen uso de cierta retórica musical, Cornelius hace que las canciones se vuelvan tan suyas como de quien las grabó originalmente. Por ejemplo “Battle without Honor or Humanity”, el clásico del OST de Kill Bill Volume 1, nos recibe entre una ráfaga de guitarrazos y sampleos que simulan espadas, todo muy frenético; quizá en lo formal no recupere lo suficiente a Tomoyasu Hotei, aunque lo logre en la ferocidad. Quizá cuando vuelve a grabar por completo la música para un remix (que es lo que hace este señor) se pregunte: ¿cuál es la intención de esta canción? Porque la locura pianística en la que logra convertir el “Brian Eno” de MGMT no pudo haber sido de otra forma: el humor de la original está presente, pero con un refinamiento oriental.

El remix de “Make Some Noise” de los Beastie Boys es quizá el mejor que se haya hecho al trío; es una lección de virtuosismo en guitarra y bajo con beats que nunca dejan de ser puro y total hip-hop. Hay en este disco tres tracks que no son propiamente remixes sino duetos o colaboraciones, Cornelius reinterpretando al otro y viceversa. El más famoso quizá sea “The Sun is Down”, coescrito con Yoko Ono cuando Keigo formó parte de su Plastic Ono Band. La música es adecuada para el speech intenso de la viuda más odiada del rock y el tratamiento de su voz le da ese aire de gurú. Luego tenemos “The Rare” realizada junto con el geniecillo del downtown neoyorkino Arto Lindsay; ahí está el que fuese un chiquillo punk debatiéndose con el sibarita de raíces brasileñas. Y el factor brasileño es una de las tantas influencias que anotó Cornelius en sus últimas exploraciones minimalistas, algo que tuvo un resultado dulce en esta canción. ¿Qué decir de “Magic Carpet Ride”? La original fue un hit de los clubes a cargo del dueto Pizzicato Five, en esta revisión que hizo la mitad de la dupla, Maki Nomiya, requirió ayuda para girar la canción y nuevamente se anota un hit: más que un remix es casi un “autocover” que se aprovecha del nombre de la misma e incorpora una (no tan) velada influencia marroquí, que con el tono habitual del sonido Oyamada, sólo necesita la voz de Maki como cereza del pastel.

El disco cierra de manera significativa con “Akatombo”, una pieza interpretada por Haruo Minami, quién fue una figura prominente de la música vernácula del Japón. Y quizá aquí se condensa la visión que guarda Cornelius con la música de su país y con las coordenadas en que se halla como artista en la música del mundo. Demuestra que, si antes adquirió demasiadas influencias, mucho avance tecnológico y gran habilidad como creador, también existirá siempre la influencia de sus raíces, seleccionando los elementos mínimos que delínean su sendero musical y ciñéndose a ellos, casi como en un poema zen.

Cat Power "No dejes que atardezca en mí"

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:50:13 -0500

Seis años y sinceramente no esperaba gran cosa de Chan Marshall. Por supuesto que la manufactura de un disco como The Greatest fue importante porque mostraba una propuesta donde ella incursionaba en los terrenos del soul acompañada de grandes músicos, que resultó en un álbum bastante bien recibido por la crítica y el público: el primero en que todos los tracks eran de su autoría. Aprecio realmente ese disco, pero lo que no llegué a apreciar fue el torbellino de exposición mediática de Chan como modelo, actriz, activista y otras monerías, que sumado a su habitual depresión (me encontraba en una etapa en la que requería alejarme de cualquier cosa que exudara autocompasión) nos darían un flojo Jukebox (2008), disco de versiones donde hasta se chutó la puntada de hacerle una versión a los “Angelitos Negros” de Pedro Infante, nada que ver con su anterior incursión en cancioneros ajenos The Covers Record (2000).

La nueva producción de Cat Power no se libra de la tragedia personal, pero se erige por sí misma como obra de arte. Al parecer varias de las canciones ya estaban terminadas desde 2006, pero los problemas de Marshall con el fisco se convirtieron en un viacrucis donde terminó usando toda la plata que le quedaba en armar un studio en Malibu y pagar toda la producción del disco, lo que la hizo volver a sentirse deprimida (otra vez) porque el disco era “Demasiado personal y doloroso como para dejarlo salir”. Lo dejó por algún tiempo porque “sonaba como a la vieja y deprimida Cat Power”.

Justo cuando su sello (Matador Records) le exigió que se consiguiera un productor para apresurar la salida del disco y su banda de apoyo simplemente se desintegró durante las sesiones, Chan empujó las maquetas por sí misma, recuperando material viejo, generando nuevas cosas y buscando la ayuda de Philippe Zdar del dueto Cassius, quién ha producido con buen tino a Phoenix y a The Rapture. El francés apoyó la mezcla del disco y ayudó a que Cat Power pudiera ver sus fragmentos reunidos de la manera adecuada (pianos, sintes, cajas de ritmos, voces).

El giro estilístico es radical y se nota desde la inicial “Cherokee”, que comienza con un piano y un lamento, pero que con la introducción del ritmo y algunos efectos generan algo que hasta ese momento resultaba inusitado en el sonido de esta mujer. Sin duda el tránsito a lo largo del disco puede parecer más digerible y pop que The Greatest, pero también refleja un desahogo en los recursos y se muestra mucho más directo. Gana donde el otro disco perdía por su pomposidad y su ligera sobreproducción.

Por ejemplo, en “Sun” el ritmo se vuelve hipnótico y el trabajo de las voces incita a repetirla una y otra vez, con todo y el sorpresivo uso del autotune. ”Ruin” y “3, 6, 9” en cambio nos regresa a los tiempos del You are Free, y nos descubrimos saltando con fuerza y cantando los coros. Una es rock con redobles, la otra tiene el sabor del Missisipi. Piano, bajo, batería y guitarra simplemente logran la magia: es ella en su mejor momento, fuera de cualquier calificativo que le puedan poner los críticos.

La triada de “Always on my Own”, “Real Life” y “Human Being” son el descenso a las habituales cavernas grises de Cat Power, las que no aprisionan pero que no se quieren abandonar fácilmente. Son estos los temas más acompasados y solemnes del disco. Con una dulzura increíble, llega “Manhattan” y las cajas de ritmos repetitivas y “krautrockeras” (sólo un poco). En esta parte, que cierra con la dureza de “Silent Machine” o “Peace and Love” y la balada al piano de “Nothing but Time”, nos queda claro que los elementos electrónicos fueron utilizados con un cuidado meticuloso, equilibrándose con la guitarra eléctrica. Es decir, Cat Power no se entrega al uso indiscriminado de los recursos, si no que deja que el feeling mismo de cada composición dicte la pauta que se debe tomar. El sol siempre ha estado ahí, nunca se fue. Y no me lo pienso perder.

Kevin Johansen: globalifílicos uníos

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:47:38 -0500

“Yo siempre he sido un des-generado” Con esa frase rompió el hielo Kevin Johansen en uno de los dos conciertos que dio el año pasado en el Lunario del Auditorio Nacional y que tuve la oportunidad de presenciar. Se me queda la frase porque es quizá la tarjeta de presentación que el señor utiliza al hablar de su música, y que representa el humor en los tiempos de un continente americano que siempre está redefiniéndose y que es siempre complejo.

Cuando estuvimos hablando de Byrne y Veloso, mencionamos la fusión exploratoria de un mundo cuyo horizonte se antoja basto para la música. Hoy en día quizá el encuentro y aprovechamiento de ritmos de diferentes latitudes resulta en combinaciones estériles que no sobrepasan la simple “curiosidad”, un souvenir sonoro en una cafetería-lounge. Claro, no se puede generalizar y si queremos salir del exotismo, la música de este cantautor proporciona bastante ayuda.

¿En qué parte de la compleja ramificación de visiones de nuestra America y el mundo se haya Kevin? Pareciera que circula a través de las venas del continente como si fueran una carretera que va y viene para disfrutar del paseo y no del destino.

De madre argentina, padre estadunidense, nacido en Alaska y con sus primeros pininos musicales en el mítico CBGB, es obvio que este tipo de vivencias no podrían ser absorbidas y transmitidas a su público de la forma que lo hace este señor si se tratase de un artista anclado en el puritanismo (cualquiera que pudiera ser). Él es “extrovertido” y “alegre” además de cosmopolita, ingredientes básicos de su propuesta.

Bi, su nueva producción, es una apuesta generosa en términos de cantidad y calidad: 29 temas repartidos en dos discos. Tanto para quienes seguimos su trabajo como para quienes sean nuevos en su perversión y diversión resulta una excelente obra.

Dividida entre el juego y el fuego, es decir entre Jogo (Subtropicalia) y Fogo (Pop Hearth), cada disco se identifica en la portada por las fotos de los padres de Kevin. Así el artista ríe con —y de— nosotros los que inútilmente trataremos de desenredar su madeja sonora ubicando los géneros y tratando de colocar etiquetas: dividir el disco tajantemente es una tarea por demás inútil. Son dos trópicos que comprenden la misma región.

“Todos somos Bi”. Hijos de una madre y de un padre. Literalmente, mitad hombre y mitad mujer. Y esto, a pesar de miles y miles de años de negación cultural al respecto. Personalmente, creo que hay tantas sexualidades como personas en el planeta. Así como también se podría hablar de sensibilidad musical (¿quién no ha tenido un mejor amigo que escuche música inaudible para uno o viceversa?), artística, etc., entre tantos otros sentidos.

Primero Subtropicalia parece ser ese tour de force de la fusión de estilos y ritmos, del norte y el sur, de los clichés de occidente y de las tradiciones del continente, del inútil enfrentamiento entre el gaucho y el porteño. Un tema como vecino, puede servir para explicar lo que musicalmente estamos presenciando (…Y solo por estar enfrente / no dignifica ni significa. / Estar enfrentado, / ¡qué salado! / La miopía de nuestro ser / no nos deja ver que desde el cielo estamos saldados). Reconocimiento del otro antes que negarlo. Y si para algunos esa dialéctica es nefasta, para Kevin es excusa suficiente para recetarnos un poderoso dueto a ritmo andino y bajo dub con Lila Downs (“Baja a la Tierra”) o un western a lo Enio Morricone que se vuelve cumbia (“My name is peligro”). Todo esto dejando espacio, claro está, a su irónica visión sobre el tema de siempre: el amor. Ya sea bajo el poderío del bolero (“Alta, fea y linda”) o el bossa nova a lo portugués/spanglish (“Tan fácil” y “Waiting for the sun to shine”). Para cerrar esta primera parte, Kevin para su carro en Argentina y nos receta el tango de “Nieva en Buenos Aires”, solemnemente pero sin perder la risotada, se nota más encaminado que en sus discos anteriores.

Pop Hearth no es radicalmente opuesto. La visita, re-visita y revolcada sigue ahí, así que nadie se espante. Quizá para el señor se trate de una colección de canciones pop más redondas y quizá, hasta radiables. No lo dudaría ya que el primer sencillo “No digas quizás” está aquí. Canciones como su dueto con Natalia Lafourcade en “No tiene nombre”, el “Basta de bastas” con su parodia reggae-bailable y el gusto culposo por las lolitas en “Seventeen” (tan funky) lo confirman. Al final de este corazón pop en el que con amor todo cabe, están dos covers, uno de Leonard Cohen (“Everybody knows”) y otro de David Bowie (“Modern love”). “Si la verdadera actitud del pop es ser incluyente más que sofisticadamente ecléctico, entonces soy extremadamente pop”, parece decir este segundo plato.

La masa sonora de Johansen se nos presenta como un todo, un abanico de ricas perspectivas. Deja del lado la visión asustadiza de un Manu Chao, por ejemplo. Si bien no esquiva la política, su perspectiva no es panfletaria con disfraz artístico, sino verdaderamente sensible para abrirse a una obviedad: al final del día el mundo es uno y no es hermoso, pero por eso mismo lo es. Rebeldía con alegría, que “Yo soy aquél que no soy yo”, dice este enfermo de globalifilia, una enfermedad felizmente contagiosa.

Te recomiendo que entres al sitio oficial de Kevin Johansen y escucha ambos discos de una manera muy original.

The XX "Sigue Lloviendo...."

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:44:00 -0500

Difícil debe ser desempeñar el papel del grupo en turno. Ojo, no estamos diciendo que con su disco debut, The XX no se haya merecido su dosis de exposición. La música que ellos hacen llamó la atención cuando ya todos se habían comprado un sintetizador Moog y lo querían presumir. Por otro lado estaban ellos, con su look escueto, que emplea el mínimo de recursos posibles para retratar cierta melancolía; esta época de soledad autoinflingida (como dijo Christian Mendoza en su columna en Hotel Garage). Ese mood es el factor secundario pero no menos importante de su éxito.

Digo que no debe ser fácil recibir mucha atención en un momento en que la dictadura del gusto es aquella impuesta por Pitchfork (y todos los blogs que quieren ser como este). Con un primer disco de buena calidad, nominaciones a varios premios y una posición entre los primeros de varias listas de lo mejor en su año… es obvia la expectación por un segundo disco de esta gallina de huevos de oro. Si antes la gente quería hits y los quería desde ayer, hoy quieren lo que la prensa del Internet les prometió: quieren el hype y lo quieren desde antier.

Entonces nos encontramos con este Coexist, que se ha filtrado a la red, y antes que otra cosa les diré: no se emocionen de más. Quienes esperen un giro radical deberán quedarse sentados, porque ya sabemos de qué irá a partir de ahora la música de esta agrupación y cuál es su estilo: acordes lentos en la guitarra, la “misma” línea de bajo en todos los tracks que de repente nos ataca de sorpresa y, por supuesto, la voz de niña regañada de Romy Madley, que a veces se deja acompañar por Oliver Sim, con su mood aburrido y desganado (que también ya es sello de la casa). Todo esto ya saben, aderezado por los beats austeros y ciertamente cada vez más noventeros de Jamie XX, el cabecilla del ahora trío (en 2009, los teclados y guitarra de Baria Qureshi dejaron el barco).

Las dos primeras canciónes ya son conocidas: “Angels”, como ese lamento que se va arrastrando poco a poco y “Chained”, que sin ser el extremo apuesto, es un manto cálido, una pirotecnia que se apaga justo antes de explotar.

“Reunion” es digna de atención y quizá cierra la primera tanda de canciones la producción. Le agregaron a su arsenal un steel drum que suena interesante y empieza como otros tracks de la banda: relajado, pasa por un puente de percusión minimalista y revienta en algo dance, para que tímidamente se muevan los pies. “Sunset” también tiene un ritmo repetitivo y constante, donde el mantra de la letra se agradece. Se acerca al trip hop con “Missing”, de cantos lejanos y cuasi-fantasmales. Está quizá se vuelva sencillo.

Entre los últimos tracks hay dos que me hacen pensar en una influencia no tan fuerte pero presente de Everything but the Girl, ese dueto pop de culto. Son “Tides” y “Swept Away”. En principio porque parecen alejarse de ese tono que permea en general al disco para incursionar en números un poco (sólo un poco) más redondos. En la primera es bastante evidente. En la segunda es ese piano y el hecho de que Romy parece querer adentrarse en matices vocales más melódicos. Para cuando Oliver se une, el juego de ambos remite a cuando Ben Watt y Tracey Thorn unían sus voces en aquellos números más íntimos. Todo con ese beat, nuevamente gris pero increíble.

Es un buen álbum. ¿De los favoritos de este servidor para el año 2012? No. Pero sigue siendo un muy buen disco. Se escurre como mantequilla y podemos oírlo de vez en vez. Consideren que, a pesar de que me gusta, tampoco estoy obsesionado con ellos, quizá por ello no le hallo tantas virtudes. Tampoco su estilo es de mis favoritos (pienso que a la larga se convierte en un pequeño defecto) pero aprecio su atmósfera única, sus melodías apropiadas y su sólido nivel de producción. Aunque al final apreciaría un poco más de exploración en cuanto a la lírica y que divergieran un poco de su animo lluvioso en su música de tintes downtempo. Eso para un futuro cercano y pensando en que incluso pueden conservar su sello característico. Alguien me dijo que este disco era apropiado para leer sin distraerse o hacer otras cosas así. Saque usted sus conclusiones.

Bloc Party: Cómo seguir una fiesta

tone-twilight-zone — Fri, 16 Nov 2012 14:42:18 -0500

La fiesta de la cuadra se apagó durante mucho tiempo. Su deseo de regresar a nuestros oídos es una sorpresa que no se ha tomado de la mejor manera. He escuchado a gente decir “¿Para qué vuelven? su último disco fue pésimo”, “se deberían retirar. Hay cosas mucho más interesantes pasando en la música, como The Vaccines, por ejemplo” Y cosas del estilo… Al menos entre mis conocidos, los peores detractores de Bloc Party son quienes fueron sus más fervientes fans. ¿Pagaron demasiado alto el precio de ver más allá de su estilo e enfilarlo hacia el sonido electro-rock de Intimacy? Reconozco que ese disco fue un declive extraño en la ruta del grupo, pero también se tiene que valorar el empuje en un momento en que todas las bandas parecían enamoradas de su propio sonido. (Personalmente considero que Franz Ferdinand es un buen ejemplo de esto.) Sus seguidores no los perdonaron, pero su regreso dice mucho; tal vez con el fin demostrar con dignidad porque alcanzaron la fama, de cerrar un ciclo. Y quizá por eso el disco se llama Four y muestra 4 círculos concéntricos, una reintegración aunque cada miembro y cada parte de lo que ha sido el proyecto esté en su propia órbita.

“¿Te sientes un poco vacío aquí? Déjanos saber quienes son tus cuatro”, dice la aplicación para escuchar el disco en su sitio.

El primer sencillo, “Octopus”, lo demuestra. Ahí está ese efecto que puede sugerir que todavía no han salido de su bache electrónico… Y nos callan la boca: aparece la bestia domesticada, con un sonido refrescado. Un bajo potente y el contra de la batería constante. Riff pegajoso y requinto minucioso. Tres minutos de “esto no se ha acabado”.

El resto del disco lo confirma: la banda se ha redefinido para hallar ese sonido de su disco debut. Pero hay matices nuevos. el desengaño rockstar de “So he Beggins to Lie” prepara la cancha para un “3 x 3” de atmósferas tortuosas. ¿Y qué hay de esa influencia metal en “Kettling”? Sin duda el sonido exuda depresión y tristeza, no la melancolía que antes desprendían. La desesperación musical ahora sí compensa completamente las letras de un Kele Okereke que aún tiene tela de donde cortar (Pain is hopeful/Pain is holy/Pain is healthy/Pain heals)

¿Extrañan al muy primerizo Bloc Party? “Day Four” y “V.A.L.I.S.” están para eso: coritos amigables, batería discotequera.

Pienso sinceramente que la sobreoferta de música es el principal obstáculo para que podamos apreciar la evolución de una banda. Claro, los músicos siempre pueden sucumbir a las mieles de la autocomplacencia, pero si en estos momentos no le dan una oportunidad al disco de Bloc Party puede que se pierdan el gran final de la fiesta, ya que son un tanto herméticos sobre su futuro como agrupación. Así como el 4 que para los japoneses es shi el vocablo de la muerte, este 4 podría ser el final de la banda. Quedan advertidos de la actitud que traen:

We’ve got the doorway We’ve got the hallway You can’t restore yourself We’re not good people This is a warning